Elementos de una historia en 10 películas creadas con un gran propósito
La virtud que es propia muchas veces se desconoce. Mientras antes lo sepamos, más conectados estaremos con nuestra labor y probablemente gozaríamos de una vida mucho más rica en todos los sentidos, si es que la fortuna acompaña. Sin embargo, la gran mayoría de los personajes de ficción luchan por alcanzar lo que desean por una simple razón: la vida no es fácil. Muchas veces necesitamos entrar en un nuevo equilibrio para avanzar. Nosotros como audiencia, absorbemos esa evolución como si un mensaje se estuviera colando en nuestra propia vida. Y justamente en ese espejo con la realidad se encuentra el valor esencial de una historia: construir un mundo nuevo a partir de un tema específico anclado a la realidad. Solamente un universo de ficción, un guión, un protagonista, un diálogo, con un propósito claro y real, podrían alcanzar -en ciertos grados- la felicidad perfecta en una historia.
Estas historias tienen pocas cosas en común; géneros distintos, directores diferentes. Pero además de pertenecer todas a la última década, fueron creadas con una idea central muy clara. Un tema tan poderoso que cuando lo tienes, escarbas hasta encontrar el universo que mejor vista ese mensaje. ¿Quién es mi protagonista? Cuáles son sus valores al inicio y cómo evolucionan hasta el final. ¿Quiénes han estado ahí siempre y con quiénes se cruzará en el camino? Ellos, a través de su propia experiencia van a empujar al protagonista a ser (irónicamente) mejores o peores personas. Cómo diseño todas esas personalidades en función de las acciones que necesito construir para que esta evolución sea verosímil y significativa para la audiencia; al punto de sorprenderla, emocionarla y provocarles la misma sensación que sintió el autor cuando se dio cuenta que esa era la historia que necesitaba contar.
AMÉLIE (2001) La primera imagen o intro de una película dice mucho del tema principal. “Amelie” presenta una seguidilla de casualidades grandiosas que ocurren en el mismo segundo que nuestra protagonista es fecundada. Y si bien parecen ser meras casualidades, tienen que ver con las virtudes que descubrimos de ella a lo largo de la película. Movediza como una mosca capaz de batir sus alas 14.000 veces por minuto. Romántica como el viento que se cuela por debajo del mantel para que dos copas bailen en el aire. Y con la fortaleza de quien sufre la pérdida de un ser querido y lo borra de su lista de contactos para seguir adelante.
Estas tres dimensiones rodean el mundo de Amélie Poulain y están todas contenidas en el primer minuto de la película de una forma metafórica. Esa es su esencia y ayudar al resto se convierte en una vocación que la lleva -inesperadamente- por otra de esas casualidades grandiosas de la vida, a encontrar el amor.
LA VIDA DE LOS OTROS (2006) Berlín del Este, año 1984. La historia gira entorno al duro control que ejerce la policía secreta (Stasi) sobre los círculos intelectuales influyentes que exponen ideas contrarias al régimen de la RDA. En la primera imagen de la película, vemos caminando de espaldas a un uniformado con su prisionero por el pasillo de un centro de detención. Se paran frente a una puerta. Antes de entrar, el oficial le dice al prisionero: “Dígale, capitán”. Genial primer acercamiento con el protagonista; primero, porque lo presentan otros y segundo, porque no lo hemos visto y ya sabemos lo que representa en la historia.
Un capitán hace lo que le parezca correcto en el momento correcto, sin medir las consecuencias; así es Hauptmann Gerd Wiesler: un tipo frío y metódico que se toma largas horas para torturar mediante interrogatorios.
Sentado frente al acusado, le hace la misma pregunta una y otra vez hasta el cansancio. Corte a: sala de clases. El capitán le pone pausa a la grabación del interrogatorio y se dirige a sus alumnos: “hay que tener paciencia, unas 40 horas al menos”. Un joven aspirante a agente de la Stasi se atreve a hablar: “lleva despierto 40 horas seguidas, ¿eso no es inhumano?” Gerd Wiesler elude la pregunta y marca su nombre con una cruz en el libro de clases.
En los primeros 5 minutos de película, ya sabemos que nuestro protagonista es un tipo implacable contra cualquier presunto enemigo del estado y por lo mismo, alguien absolutamente necesario para sus intereses represivos. La tarea del guionista está en diseñar un arco de transformación que lo convierta en una nueva persona, pero sin dejar de lado su verdadera esencia; sin dejar de ser el capitán que es, con la entrega que defiende sus propias instituciones, capaz de sacrificar su vida por lo que le parece correcto -y como nos damos cuenta al final de la película- no es la guerra, ni el estado ni un partido político, si no que simplemente defender la vida de los otros.
LITTLE MISS SUNSHINE (2006) La pequeña Olive Hoover acaba de enterarse que clasificó al concurso de belleza “Little miss sunshine” y tiene dos días para llegar a California. Está vuelta loca de emoción. Sus padres, en plena crisis financiera y al borde del divorcio, no tienen más opción que llevarla. Y con ellos va el abuelo drogadicto porque no lo pueden dejar solo, tampoco al hijo mayor que lleva un voto de silencio porque odia a todo el mundo, y menos, al tío que le acaban de dar el alta por intento de suicidio. Los Hoovers están al borde del precipicio y la historia se encarga de juntarlos en una misma misión: Llegar a tiempo al concurso.
Todos, viajan en una ‘combi’ amarilla que a lo largo de la historia representa el estado de los protagonistas en su conjunto; como símbolo de que a veces hay que empujar para salir adelante, de entender que una fuerza sumada a otra puede lograr lo imposible; aunque la bocina suene cuando quiera, aunque haya que partir en tercera, ahí van a estar, todos juntos. Y si bien cada integrante le agrega sus propias subtramas a la historia; cada vez que pasa algo, para bien o para mal, les afecta a todos de la misma manera.
Es muy poético que quien podría verse más afectada con el fracaso de la familia, los haya movilizado a todos. Olive, los lleva a una travesía por los peores fantasmas de cada uno para recordarles que la unión los hace fuertes, únicos e imparables. Y eso la convierte a ella en el único personaje brillante de la historia, capaz de convertir un concurso de belleza en un escenario hilarante de liberación para su familia entera.
RATATOUILLE (2007) El valor de una historia tiene que ver con el mensaje que te deja sumado a la fuerza con la que te lo entrega. La fuerza está representada por el grado de las contradicciones. Mientras más opuestas, más claro es el mensaje. En el caso de “Ratatouille”, el protagonista es una rata sibarita con talentos innatos para la cocina. Esa es una contradicción gigante. Pensar en una rata y comida al mismo tiempo es imposible, pero la magia de la animación y las historias de Pixar, lo logran.
De entrada, ese factor único y particular de nuestro protagonista nos llama la atención por la fuerza de esa contradicción y porque nos recuerda todas las veces que nos sentimos insignificantes en trabajos que nos quedarían grandes, o cuando dispersamos sueños por miedo, discriminación o porque alguien nos dijo que no servíamos para eso. El mensaje que inspira a Remy es “Cualquiera puede cocinar” y bajo esa simple premisa, los niños que ven la película se quedan con la sensación de que pueden hacer lo que quieran en la vida. Y los adultos conectan con el sentido de esfuerzo y realización de una rata que no tenía nada y que ahora tiene el mundo a sus pies.
Por otra parte, el valor emocional está ligado con el sentido de herencia, de obrar con el propósito de dejar un mensaje o un legado a las siguientes generaciones: “Cualquiera puede ......…………, pero sólo los que tienen imaginación y un corazón fuerte pueden llegar a ser grandiosos”.
EL VIAJE DEL HÉROE · ACTO I
RANGO (2011) La trama principal de la película gira entorno al problema de sequía que vive el pueblo. Pero el tema central de la historia es una búsqueda de la identidad. Un camaleón con problemas de identidad es una gran contradicción. Y ese es el mayor acto heroico que debe hacer Rango a lo largo de su travesía. Toda la estructura está diseñada para retratar los momentos más bajos y altos de la vida de nuestro protagonista en su búsqueda por la identidad propia; porque si no lo hace, se va a quedar seco para siempre.
Y ese es el principal mensaje de la película: solamente saliendo de tu burbuja vas a estar más cerca de saber quién eres.
EL VIAJE DEL HÉROE · ACTO II
Salir de la burbuja no es fácil. Entras a un mundo desconocido y eso conlleva muchas incertidumbres, tal vez riesgos. ¿Voy a sobrevivir? Conoces gente en el camino, algunos se hacen los buenos y terminan siendo enemigos. Otros más bravos se vuelven familia.
Pero todo héroe tiene un tendón de Aquiles; una debilidad que lo hace ser mortal. Rango comienza el acto siendo un héroe hasta que descubrimos su verdadera identidad.
Y si al principio de la historia él mismo ignoraba quién era, ahora sabe que toda su vida ha sido un farsante.
Todo estado valoricamente peor al inicial es un momento de crisis para el tema principal de la historia. “¿Quién soy?”
Para diseñar este acto nos preguntamos: Cómo hacemos para que nuestro protagonista termine estando mucho peor que al principio y de qué forma atenta con su misión en la historia.
EL VIAJE DEL HÉROE · ACTO III
¿Quién soy?
Se lo pregunta irónicamente un camaleón y de paso también la audiencia humana a lo largo de la película. “Rango” es un viaje del héroe en búsqueda de su propia identidad. Su vida cambia drásticamente cuando cae al desierto pero la pregunta es siempre la misma. ¿Por qué alguien que ha pasado toda su vida en una pecera necesita saber quién es? ¿Será un acto heroico caminar sobre los umbrales de la identidad propia? tal vez lo es.
La estructura del viaje del héroe nos permite fragmentar la historia en 12 momentos distintos; los cuales pueden o no estar en el mismo orden. Por ejemplo, en la estructura clásica el encuentro con el mentor es el paso nº4, y en Rango el nº9. Muchas veces la figura del mentor está ahí para ayudarle al héroe a vencer sus miedos. La mayoría de ellos necesitan de sus sabios consejos antes de emprender el viaje, y otros -como Rango- necesitan encontrarse con la vida antes de entender su verdadero propósito.
BIRDMAN (2014) A días del estreno en Broadway, está todo listo salvo un gran problema: Riggan detesta la actuación de un actor del elenco. Sabe que está incidiendo contra el éxito de su obra y no soporta la idea de otro fracaso. Necesita cambiarlo de una manera justificada. Sus ojos van para arriba en el set y los baja. Del techo, cae un gran foco de luz directo a la cabeza del actor dejándolo completamente inconsciente en el piso.
En ese momento, se produce un punto de inflexión entre el inicio y todo lo que va a ocurrir para adelante.
Ese evento (a los 6 min de película) deja la obra suspendida y presenta el conflicto principal de la historia de una manera agresiva: el choque de nuestro héroe contra su inmenso ego, capaz de tentar a la muerte para ser admirado.
HER (2013) ¿Quién es “ella” la voz, su mejor amiga o la ex esposa?
Theodore está en un gran conflicto. Lleva un tiempo separado de Catherine y no tiene el valor para firmar el divorcio porque esconde un gran miedo: Quedarse solo. Y ese sentimiento de soledad nos revela su principal necesidad: Sentirse acompañado en un mundo donde lo único que disfruta es escribir cartas de amor para otras personas. Tiene talento, de eso vive y solamente en ese imaginario está presente, porque puede abstraerse de la insoportable realidad de estar soltero, sin amigos y completamente desconectado del mundo.
Todo cambia (incidente iniciador) cuando conoce a Samantha: Un sistema operativo con conciencia propia y voz sexy que lo enamora con su atractiva personalidad e infinito nivel intelectual (por más absurdo y real que eso se pueda leer). Y Si bien Theodore logra comenzar una relación amorosa con ella, en reiterados episodios de la película entramos en memorias de mucha felicidad junto a su ex mujer, Catherine, compartiendo momentos donde el amor se siente mucho más real. En esos flashbacks (o fantasías) guarda su verdadero deseo -y por más doloroso que sea enfrentarlo- sabe que jamás podrá tener una relación de verdad con Samantha. Ella es un amor imposible.
Theodore debe atravesar el doloroso camino de empezar a hacer realidad lo que más quiere en la vida; encontrar un punto de unión entre lo que cree que necesita y lo que realmente desea, para evolucionar a una vida fantástica y real, con “ella”. El primer paso es estar presente en este mundo.
LALA LAND (2016) Se ven por primera vez en un taco. Mia está justo delante de él, distraída repasando un guión para un casting. Sebastian le toca la bocina, la adelanta y acelera con la bocina puesta. Presentación de los enamorados como metáfora del conflicto: “Voy solo(a) por mi pista, al ritmo que quiero”. Que estén en un taco también es una metáfora al universo de artistas cuando ven sus carreras estancadas. Esta película es para ellos, a levantarse de las decepciones y fracasos “it’s another day of sun.” Lo único que puede amenazar la idea de salir corriendo a conseguir tus sueños, es un amor con el que puedas construir un mundo imposible de imaginar.
El gran villano en esta historia de amor, es el inmenso deseo que tienen estos dos artistas por hacer realidad sus sueños. Para Mia no es compatible una vida con un músico que pasa todo el año en gira y Sebastian necesita acción para estar presente. De eso se trata la vida, igual como vibra un músico de jazz arriba del escenario; cambiante, vivo, en permanente conflicto y compromiso.
En el clímax de la película, Mía y Sebastian imaginan sus vidas juntos, como el sueño perfecto. (Esto destroza el corazón de toda la audiencia). Consiguieron lo que se propusieron hace 5 años atrás pero ahora se dan cuenta que hay algo mucho más poderoso que dejaron inconcluso, su verdadero deseo -tal vez- el gran sueño; una creación más grande de 2 universos rebeldes, virtuosos, sensibles pero enamorados de sus propias virtudes. Suficiente como para que dos estrellas mantengan distancia y quieran brillar por su propia cuenta.
LA FORMA DEL AGUA (2017) En el clímax de la película está en juego la vida del anfibio humanoide. Si Elisa logra dejarlo en el canal antes de que lleguen los oficiales, se salva. Lo que nadie sabe es que la vida de la criatura depende de algo más poderoso que estar en el agua. Separarse para siempre de Elisa es lo que realmente lo está matando.
Richard Strickland está muy cerca de llegar al muelle. Desde que la criatura le comió dos dedos de la mano (incidente iniciador) su obsesión ha sido matarlo.
Y es simbólico como esos dedos cocidos después a la mano, cambian de color a negro y se vuelven putrefactos como nuestro villano, que parece tener la vida perfecta; un bonito auto y una linda familia pero en realidad es la metamorfosis que puede sufrir un humano cuando vive de guerras, amenazas, torturas y provocaciones para conseguir lo que desea ser: una cosa de apariencia temible.
En el lenguaje de señas, la criatura le dice a Elisa que van a estar juntos siempre. Elisa responde que sí, emocionada porque le habla en su propia lengua. Con eso sellan su presencia infinita. Se despiden y una bala cae en el pecho de la criatura. Strickland dispara una y otra vez. Ella gira desconcertada al mismo tiempo que recibe una bala en su vientre. Ambos cuerpos caen al piso. Elisa estira su mano para alcanzar un último respiro juntos. Llega. En ese sentir, la criatura se levanta, cicatriza las heridas de bala y se acerca a Strickland que está parado perplejo bajo la intensa lluvia: “Fuck. You are a god” (Mierda, eres un Dios). La criatura le corta el cuello y se escucha un último quejido, alcanzando la nota más alta del clímax de la historia en el momento en que el villano reconoce que está luchando contra una fuerza infinitamente superior. Dios es creación y por ende la máxima expresión de amor. Y el amor es como la forma del agua, cuando está en todas partes no existe nada más poderoso que eso.
JOKER (2019) En las imágenes finales de una película el tema central de la historia está implícito en la recompensa que obtiene nuestro héroe. La resolución de Joker es una escena del pasado y tiene que ver con una peligrosa idea que se venía gestando en la mente de Arthur Fleck.
Él siempre ha sido el chiste. Nadie lo quiere y en ciudad Gótica si no eres rico vives pobre. Lo sacan del hospital psiquiátrico porque hay otros peor que él, le quitan los relajantes y en el trabajo un colega le pasa una pistola de "buena persona". Termina en la calle, abandonado hasta en sus mejores fantasías.
Y cuando nada puede ser peor, descubre que manipularon a su madre para que nunca en su vida -Thomas Wayne- el millonario empresario candidato a alcalde de ciudad Gótica, tuviera que reconocerlo como hijo.
Arthur comienza a escribir el final de su tragedia. “Sólo espero que mi muerte valga más que mi vida”. En ese trato inquebrantable consigo, le dispara a tres tipos ricos en el metro (incidente iniciador). La prensa reconoce a un payaso como autor del delito. Wayne declara: “siempre miraremos a los que no hicieron nada de sus vidas, como payasos”. La frase divide a la elite del pueblo. Todos salen a protestar con máscaras de payaso, los basureros se van a huelga, llegan las ratas, los negocios cierran.
Arthur comienza a orquestar la muerte soñada: “Solía pensar que mi vida era una tragedia pero es una puta comedia”. Acepta una invitación al famoso programa Live with Murray Flankling para contar su último chiste. Knock knock, vengo a matar al anfitrión. -¿Qué es tan gracioso?
Le pregunta la psiquiatra a Arthur Fleck en el epílogo de una larga carcajada. -Estaba pensando en un chiste. -¿Me lo quieres contar?
Arthur la mira y le dice: -No lo entenderías. -Suena That’s life de Frank Sinatra
Camina por el pasillo del psiquiátrico dejando huellas de sangre en el camino y un chiste en mente que se hace cada vez más real.